Varias cine japonés

En estos días de vacaciones, he recuperado mi viejo Toshiba  y he entresacado algunas de sus perlas u horrores, según toque. Esta vez han sido 3 películas de directores japoneses no demasiado conocidos. 

Las escandalosas aventuras de Buraikan (Buraikan, 1970, Masahiro Shinoda), es una película coral ambientado en el Tokyo (Edo) de mediados del XIX. Forma parte de ese colorido grupo de recreaciones de época de los 60-70 tan habitual en el cine japonés comercial de esa épica, parece que destinados a abrir mercado en Occidente (fue presentada mejor película de habla no inglesa), aunque Shinoda suele buscar el aspecto menos "agradable", más retorcido, violento o desagradable, por lo que he visto de él con resultados no muy recordables, justificando lo poco conocido que es por aquí.

En otro tono, más realista, menos efectista, juega Yoshishige Yoshida, que en Amargo final de una noche dulce (Amai yoru no hate, 1961), retrata a un par de jóvenes desesperados por ascender socialmente por la vía rápida de encontrar parejas ricas con las que relacionarse. Relacionada con otras películas de este autor, en las que señala la precaria situación social de cierta generación de jóvenes japonesas, perdidas en un limbo social y emocional. 

Los niños del paraíso (Hachi no su no kodomotachi; 1948)  es una suerte de continuación de aquella La Torre de la Introspección (1941), sobre un albergue de acogida de menores, centro con el que acaba la película, a donde van, como lugar de refugio, una serie de personajes, niños, jóvenes y adultos, varados nada más terminar la guerra, un lugar donde sanar y recuperarse. Emocionante viaje que podría ser perfectamente italiano de los que se rodaban en la época.

Contra el viento

Against the wind (1948) UK

Charles Crichton

Producción de la Ealing que recrea las andanzas de una unidad bélica británica en la Segunda Guerra Mundial, que entrena a personas "corrientes" para arriesgadas operaciones de infiltración y sabotaje en la Europa ocupada. Me ha llamado la atención lo moderno de la narración, con elipsis y sobreentendidos que obligan a seguir el film con atención. Tengo debilidad por este tipo de cine, (país, tema y época), así que soy poco imparcial si digo que me ha encantado.

Painted boats / Clamor de indignación

Painted boats (1945) UK
Hue and cry (1948) UK
Charles Crichton

Dos de las primeras películas que Charles Crichton rodó para Michael Balcon en la Ealing. Tienen en común el espíritu documental, mucho más acusado en Painted boats, breve paseo por los canales ingleses y por las personas que trabajan en ellos transportando bienes, un oficio ya entonces a punto de sucumbir. Más ditinto, en el Londes reconstruyéndose de la Guerra, es Hue and cry, gozosa fantasía juvenil (muy cercana a la comentada en estas pantallas, la deliciosa The magnet.): jóvenes jugando entre las ruinas de algún barrio londinense, trabajando en diversos oficios a muy temprana edad, una trama criminal de estraperlistas. Dos pequeñas obras de esta época dorada del cine británico.

Sangre en las manos

Kiss blood off my hands (1948) USA
Norman Foster

Con su propia productora, Burt Lancaster inicia su carrera al estrellato con este noir clásico en el que un ex soldado de la SGM tiene problemas con su carácter en su vuelta a la normalidad, y va de problema en problema hasta que topa con la enfermera Joan Fontaine para redimirle. Frenética en sus mejores momentos, con unos buenos planos de persecuciones por las calles de Londres que podría haber firmado Orson Welles y un final convencional.

Nunca la olvidaré

I remember Mama (1948) USA
George Stevens

Adaptación de una novela autobiográfica que recrea la juventud de  su autora, hija de esforzados emigrantes noruegos en San Francisco, en la que se ensalza la figura de esa madre multitarea y sufrida, que le valió una nominación al oscar a una estupenda Irene Dunne. George Stevens tiene un talento visual innegable, que aporta mucho valor añadido a estas secuencias de interiores de minidramas de la familia que intenta salir adelante con el modesto sueldo del padre. 

El reloj asesino

The big clock (1948) USA
John Farrow

Tremendamente peculiar thriller ejecutado por brillantez por John Farrow, director poco reconocido, del que yo solo conocía algunos westerns y policiacos. Funciona como thriller emocionante de ritmo creciente y trepidante, pero lo que le hace peculiar es la sucesión de personajes secundarios pintados estrafalariamente, que le acerca a alguno momentos inesperados de screwball. El propio personaje principal de Charles Laughton ya está mostrado de modo excéntrico y acusado, pero es de destacar las apariciones de Elsa Lanchester, verdaderamente memorables. Una película que he encontrado excepcional.

Vuelve a amanecer

Rachel and the stranger

(1948) USA 

Norman Foster

Western en B/N con dos primerizos William Holden and Robert Mitchum, acompañados estelarmente por Loretta Young, una mujer contratada por esposa/sirvienta al quedarse Holden viudo. Un trago difícil de soportar visto con los ojos de hoy. Es una suave comedia romántica, que se centra en el aspecto brutal de las relaciones sociales de un Oeste que comienza a explorarse. Sin grandes momentos de comedia ni de acción, tiene un argumento original y un desarrollo apacible. 

Siempre vuelven de madrugada

(1948) España
Jerónimo Mihura

Producción de los hermanos Mihura (guion de Miguel, dirección de Jerónimo) que, lejos de ser una comedia, se trata de un muy curioso thriller "moral", de ambiente burgués, en el que dos jóvenes de buena familia se pierden, derrochan, coquetean con el estraperlo, y, en definitiva, echan a perder sus vidas hasta que el amor les redime (a uno, al menos). Tiene frases del mejor Mihura: "En esta cada ya no queda ni una peseta. Vivimos de la trampa, como unos verdaderos señores", pero es más interesante ver cómo se va desarrollando la historia, cambiando el foco de la narración, manteniendo el interés, con algunas elipsis sorprendentes. Una película que no conocía, y que bien merece verla.

Una vida marcada

Cry of the city (1948) USA
Robert Siodmak

Producción con la marca de Darryl F.Zanuck (noir turbio, denso, urbano) y el acierto expresivo y claustrofóbico del alemán Robert Siodmak, en el momento más fecundo de su carrera. Se trata de un policiaco dual, en el sentido de que sigue la típica historia de dos personajes con el mismo origen, uno policia y otro ladrón. La película tiene novedades en el desarrollo de la trama, que se centra en lo que sucede después de la acción, y que casi se despoja todo lo que se aparta de los personajes centrales (como el personaje de Debra Paget, misteriosamente negado excepto en el mismo final). Un policíaco absorbente, con dos actores de segunda fila como principales incovenientes (el permanentemente adormilado Victor Mature y Richard Conte)

La calle sin sol

(1948) España
Rafael Gil

Primera de las colaboraciones entre Miguel Mihura y Rafael Gil. Se trata de una intriga costumbrista sobre un francés que se oculta en Barcelona tras cometer un crimen. Allí recala en una taberna del barrio chino, donde es acogido. Mihura retrata con espontaneidad y naturalidad el ambiente de la calle, con mendigos, charlatanes y rateros que intentan sobrevivir. Se dan cita alguno de los grandes secundarios de la época: Alberto Romea, Ángel de Andrés, José Nieto, Manolo Morán, Julia e Irene Caba Alba, dirigidos por Rafael Gil, que está en el mejor momento de su carrera, los 40 y los 50. El final es muy forzado y las posibles intenciones expositivas o críticas de la película están muy diluidas, pero es un buen film de una filmografía y un momento que no tiene mucho que rescatar. Se le ha comparado con bastante acierto con el ambiente de cafés y barrios bajos del cine francés de los 30.

Mujeres de la noche

Yoru no onnatachi (1948) Japón
Kenji Mizoguchi

Acabada la guerra, Mizoguchi coge sus cosas y se lanza a la calle, en la efervescencia neorrealista que recorre el mundo, a rodar la ciudad en ruinas, los pisos destruidos, las calles levantadas, y a sus mujeres, que sufren la maldición que las persigue en su cine. La prostitución le inspirará grandes y desgarradoras películas de aquí hasta su muerte. Mujeres de la noche es su incursión más amarga, pesimista y enraizadamente realista, al narrar la lenta decadencia de una viuda de guerra hasta la prostitución

El ídolo caído

The fallen idol (1948) UK
Carol Reed

Producción de la London Films, con un excelso guión de Graham Greene sobre una historia suya, relata la historia de un adulterio rigurosamente desde el punto de vista de un chiquillo envuelto en la trama de engaños y mentiras. Un guión de orfebrería fina, una realización exquisita que saca partido a todas las escenas, y unos actores en estado de gracia, y el resultado es una obra maestra de proporciones insondables que entra ya en mi galería de obras preferidas, y que desmiente, si no lo había hecho ya con obras de peso como El desterrado de las islas, Larga es la noche o El niño y el unicornio, la larga sombra de Orson Welles y El tercer hombre que pesa sobre Carol Reed.

Eva

(1948) Suecia
Gustaf Molander

Segundo de los tres guiones de Ingmar Bergman que filmó un ya veterano Gustaf Molander tras finalizar la guerra. Para los aficionados de Bergman, no será difícil ver, aun siendo una obra de tanta juventud, temas y personajes del futuro director, expuestos o lanzados aquí de modo tumultoso e intespestivo. Pero están filmados con gran maestría por Molander, y gracias a él es una estupenda película.

El muchacho de los cabellos verdes

The boy with green hair (1948) USA
Joseph Losey
23-5-2012

La primera película de Joseph Losey es una muy original y sorprendente narración acerca de la diferencia, o del cinismo, de la vida en la sociedad, sobre todo en la aceptación de lo "normal" y lo "anormal, con un personaje con muchos puntos en común con posteriores de sus narraciones. Película de corte pacifista, dentro de un tono tranquilo, sufrió al parecer el intento de sabotaje de Howard Hughes y ya debió de poner a Losey bajo sospecha.

El ángel ebrio

Yoidore tenshi (1948) Japón
Akira Kurosawa
24-2-2012

La primera película que encarna realmente muchos de los temas, y el estilo de Kurosawa fue este drama urbano, centrado en los bajos fondos del Tokyo de la posguerra, alrededor de la figura uno de esos héroes frágiles, muy frecuentes en su cine, y un mafioso enfermo de tuberculosis. Aún le queda a su estilo bastante por depurar, eliminar muchos subrayados, pero la potencia de su puesta en escena está ta presente.

La venganza del bergantín

Wake of the Red Witch (1948) USA
Edward Ludwig
29-5-2011

Uno de los primeros éxitos de John Wayne, y el mayor logro comercial del ruso Edward Ludwig, es un clásico del cine de aventuras marítimas. Vista hoy, curiosamente, lo que más me ha gustado, por encima de su aspecto aventurero, a veces exagerado (como la lucha con el pulpo), es su peculiar estructura de idas y venidas, de cambio en el punto central de la narración, sus peculiares personajes, y sus extrañas relaciones. Hay mucho misterio en gran parte de la película acerca de sus motivaciones, que permanecen ocultas durante mucho tiempo, para luego tomar todo una rara coherencia. Otro logro de un director poco conocido, pero con rasgos personales que le acercan al cine de Boetticher, Mann o incluso Lang.

La tierra tiembla

La terra trema: episodio del mare (1948)
Luchino Visconti
15-5-2010

Monumento pilar del neorralismo, esta primera parte de una trilogía que nunca se vio continuada, es una de las más importantes películas del siglo XX. Rodada en escenarios naturales, con actores no profesionales, narra con amargura los intentos frustados de una familia marinera de rebelarse contra el sistema de explotación de los armadores y establecerse por su cuenta. Vista hoy, el problema de La terra trema es que es un neorrealismo canónico, de libro, casi de fórmula, con una voz en off muy machacona que subraya lo evidente, conduciendo la película hacia el falso documental. Me gusta más considerarla como una especie de bosquejo o esbozo de Rocco y sus hermanos, película donde ya se asimilan y se superan los esquemas de la "escuela" neorrealista.

Locura de amor

España (1948)
Juan de Orduña
4-7-2009

Uno de los mayores éxitos del cine español del franquismo, uno de esos florones históricos ejemplarizantes, un género fetiche del régimen. No exenta de mensaje político autárquico, esta dramatización de Juana la Loca tiene interés, no por la recreación histórica, sino por el órdago dramático que propone Juan de Orduña. Es mejor la película cuanto más enfática y arrebatada, cuanto más ferozmente exagerada. Sobrecargada en los papeles femeninos, que no se detienen en medias tintas, tiene escenas memorables, como la del Mesón, y una sorprendente interpretación de la entonces desconocida Aurora Bautista como Juana, que contrasta con la inanidad casí ridícula con la que el director trata a Felipe el Hermoso, con un Fernando Rey más cercano a la sota de bastos que al heredero de la corona del imperio.