Varias Cinematófilos

Cinematófilos es una newsletter argentina en la  que, durante el espacio de una semana, se puede ver una película, que viene acompañada por una entrada sobre el contexto de la película (el país, la época, movimiento o escuela, actor, director, género...) y después un comentario sobre la misma, siempre muy acertado todo. Lleva ya bastante tiempo, pero yo lo descubrí hace poco, lamentablemente. La selección es muy diversa en cuanto a época y origen geográfico, pero se suelen escoger películas desconocidas de cinematografías poco exploradas, y en copias de buena calidad, con subtítulos en español.

De lo último que he visto es la noruega La caza (JAkten, 1959, Erik Lochen) que recuerda a la española del mismo título de alguna manera, es una metanarración de curiosa estructura sobre el fin de semana de caza de un matrimonio y un amigo, con problemas de celos incluido, que juega con lo real, lo imaginado, lo soñado o lo narrado. La griega El miedo (O fovos, 1966, Kostas Manousakis), es una estimable producción ambientada en una Grecia rural, atrasada, caciquil y reprimida, una narración sudorosa y física sobre un crimen de naturaleza sexual entre personas de la misma familia terrateniente. Por último la película taiwanesa Super citizen Ko (Chao ji da guo min, 1995, Wan Jen) perteneciente al naciente despertar del cine taiwanés, que trata, poco conocido hecho para mí que me alegro de haber conocido, de la represión que en la naciente isla-estado se produjo por el gobierno "blanco" sobre las personas sospechosas de tener ideas pro-comunistas. Ambientada en la Taiwan contemporánea, sobre un antiguo miembro de esa siniestra policía que busca la redención y el perdón. 

El pistolero / Días sin vida

The gunfighter (1950) / Beloved infidel (1959) USA

Henry King

Dos títulos de Henry King del principio y el fin de la década de los cincuenta, cuando descubre el cinemascope. Por contra, El pistolero (también llamada Fiebre de sangre), en un austero blanco y negro, casi en un escenario, es un western cerrado del que recordaba únicamente el bigote de Gregory Peck, un famoso pistolero de visita a un pueblo para conocer a su hijo e intentar recuperar a su esposa, pero al que le es imposible escapar de su fama. Estupendo cómo avanza la trama, el exacto dibujo de cada personaje, es casi a veces costumbrista, que lentamente conduce a la inevitable tragedia

También con Gregory Peck, Días sin vida relata la vida conyugal de F. Scott Fitzgerald con su mujer, autora de las memorias, periodista comentadora de los chismorreos de Hollywood. La caída en la depresión y la bebida del escritor tiene en la pantalla una traslación dolorosa, agria, hay una escena tremenda, que me resulta dolorosa hasta de recordar. Sin duda, la mejor de sus películas de esta última época.

La ley

La legge (1959) Italia
Jules Dassin

Tras un tiempo sin rodar, Jules Dassin marcha a Italia, con reparto franco-italiano (y su esposa griega) y adapta una novela sobre la vida asfixiante de un pueblo italiano poco después de la guerra, dominado por el terrateniente y el mafioso de medio pelo. Allí llega un joven ingeniero que  representa la modernidad contra las ancestrales servidumbres. Pintoresco retrato coral, con Gina Lollobrigida guapísima y salvaje, con desiguales resultados, como es habitual en cada película de Dassin, hasta en las mejores.

Millonario de ilusiones

A hole in the head (1959) USA
Frank Capra

 Producción de Frank Sinatra, que compra los derechos y monta una obra de teatro ambientada en Miami, contratando al autor para el guión y a Frank Capra para dirigirla (a través una sociedad "Sincap", que lo dice todo). Es un servicio para el lucimiento del cantante, en un papel que le  va bien y despacha con suficiencia. Se rodea de un niño pelirrojo pecoso no demasiado cargante, e ilustres veteranos como Keenan Wynn, Thelma Ritter, Edward G. Robinson, y una guapísima Eleanor Parker. Aunque está rodada en exteriores en Miami, en ocasiones  parece que estás sentado en un teatro, aunque no afecta mucho al ritmo. Se ve con agrado.

Impulso criminal

Compulsion (1959) USA
Richard Fleischer

Con la misma fuente de inspiración de La soga (un espantoso asesinato, que no es nunca mostrado, en una elipsis silenciosa y discretísima, cometido por el único motivo de demostrar la superioridad moral de un par de aborrecibles jóvenes burgueses), aunque me trae recuerdos de A sangre fría, se trata de un ejemplar thriller sociológico y judicial, que muestra el talento de Richard Fleischer y de un excelente elenco técnico. Sugerido de modo obvio pero tapado está también la relación homosexual de sus protagonistas y sus diferentes personalidades. En la parte final, vira hacia un drama judicial y un alegato contra la pena de muerte, con el famoso y aún estremecedor discurso de Orson Welles.

El Lazarillo de Tormes

(1959) España
César Fernández Ardavín

Esta adaptación del clásico anónimo de la literatura castellana tiene el histórico honor de ser la primera película española que ganó un Oso de Oro de Berlín. Hoy, su nombre y el de César Ardavín están olvidados, y seguro que nos sorprenderíamos de qué otras películas se presentaron ese año y no lo ganaron. Se trata de una versión más costumbrista y menos picaresca, dulcificada y blanda, como no podía ser de otra manera. Al Lazarillo lo encarna un joven italiano más cercano a Joselito que al pícaro. Técnicamente la película es competente, y tiene el gusto estético de su director.

Flores de papel

Kaagaz ke Phool (1959) India
Guru Dutt

Pues algo parecido a la anterior reseña le ocurre a este melodrama musical, una película total, que se vacía, que camina sin frenos hasta el desastre. Cuando la estás viendo genera un cúmulo de  sensaciones, que conducen a una sensación final de hartazgo, de densidad, de obra totalitaria, cumbre del melodrama indio. Llevó a la ruina y a la depresión a su autor total, este hiper sensible Guru Dutt, deseoso de conectar con un público amplio. No deja indiferente por su extrañeza, sus canciones, su humor desatinado, es como comerse uno de esos platos especiados de ese país, un chutney de sensaciones exótico.

Festival de cine de Mi Casa

Me ha dado mucha envidia el excelente post rescatado del tiempo de un colega bloguero, así que como voy con mucho retraso con este diario, y últimamente he visto más películas de lo habitual, me pongo al día en este rápido repaso a lo exhibido en esta sala local vallecana en los últimos días (Ay, mi Rayo). Ya adelanto que el nivel del festival ha sido bastante alto.

Te tienes que rendir ante una obra desmesurada y finalmente arrebatada como La vida de Pi (Life of Pin, 2012, USA), primero ante su pericia técnica, asombrosa, inaudita, y luego ante su avalancha narrativa, vital y lírica. Grandísimo Ang Lee, una película única e inolvidable. En el mundo opuesto está Mátalos suavemente (Killing them softly, 2012, USA). La película anterior de Andrew Dominik que había visto, un western de nombre larguísimo, me había resultado simpática pese a ser evidentemente pretenciosa, pero confieso que esta nueva entrega, parecida en su estilo, un thriller urbano, me ha resultado irritante y tediosa. Igualmente tediosa es El segundo círculo (Krug vtoroy, 1990, URSS, Alexandr Sokurov), película testimonio del derrumbe de la URSS, centrada en la tortura burocrática y anodina de un joven al intentar enterrar a su padre, muerto en un remoto paraje siberiano. Cumple su cometido, pero es un tostón soberano.

Mucho más divertido de ver es el thriller argentino Sin retorno (Argentina, Manuel Cohan, 2010), ópera prima en la que se muestra un narrador vigoroso y atrevido, que utiliza la elipsis con un desparpajo encomiable, que tira de detalles para sugerir el cambio vital de los personajes. Cuando uno cree que el nivel medio del cine español es bueno, viene una contundente película argentina, con nervio, y ya todo te parece blandito. Como Operación E (Miguel Courtois, 2012), sobre la historia de un campesino colombiano (el cine español de vacaciones otra vez) en una peripecia al parecer real al que le falta eso, nervio, fuerza y destreza narrativa, no se puede confiar todo a Luis Tosar.

Volviendo la vista al pasado, dos buenas películas, muy diferentes, una adaptación libérrima de la zarzuela Doña Francisquita, producción de Benito Perojo a las órdenes de Ladislao Vajda, que entrega un producto fresco y alocado, una especie de metazarzuela realmente atípica, con un reparto de  locos igualmente. Imaginaos a Pepe Isbert haciendo de profesor de canto italiano. Ahí lo dejo. Termino con Una doble vida (A doublé tour, 1959, Francia), el primero de los personales thrillers de Chabrol, con su detestable familia burguesa y asesinato incluido, muy hitchcockiano en su estilización, con un Belmondo desatado a punto de irse con su personaje a romper el cine en À bout de soufflé.

El puente

Die Brücke (1959) Alemania
Bernhard Wicki

Esta pequeña película antibelicista fue el mayor éxito de Bernhard Wicki, y es un film completamente válido y sorprendente hoy en día, por su punto de vista, al narrar la escaramuza de unos jovencísimos reclutas nazis en los últimos días de la guerra. Con un ejército roto, en retirada, donde todos intentan salvar el pellejo, cogiendo posiciones ante la inevitable derrota, ellos se toman la guerra en serio, imbuidos de la propaganda aún flameante en sus oidos. Indigna, conmueve y golpea aún hoy el blanco y negro inmisericorde de esta espeluznante historia, a pesar de ciertos tonos exagerados en algunos momentos.

Operación Pacífico

Operation Petticoat (1959) USA

Blake Edwards

Antes de comenzar la etapa de creatividad más fecunda y variada de su carrera, Blake Edwards cierra los cincuenta con otra comedia de ambiente militar, con un reparto de primera, Tony Curtis y Cary Grant, encerrados en un submarino en la Segunda Guerra Mundial. La comedia se basa en las penurias de materiales que tienen que suplir básicamente mediante el robo. En alta mar se ven obligados a albergar a unas enfermeras. Los roces y situaciones cómicas con las mujeres hoy sonrojan un poco. El humor visual y la querencia por el absurdo de Edwards son la mejor parte de esta película.

El hombre del traje gris

The man in the gray flannel suit (1959) USA
Nunnally Johnson

Si tuviera que dar alguna conferencia sobre el nacimiento de muchos de los mitos que sostienen a la sociedad americana (el nacimiento del sueño americano, la cultura del esfuerzo), o sobre el nacimiento de la clase media americana, y sus sueños y ambiciones, escogería para empezar esta adaptación de un novela de la época. Cuenta la historia de un hombre de clase media, profesional, honesto, con valores, que ha luchado en la guerra, que vive en los suburbios, que quiere una casa o un coche mejor. Gregory Peck es ese hombre. Le rodean muchos conflictos, que no todos tienen que ver con él. Fotografía interesante, quizá involuntaria, de una parte de una sociedad en un momento dado, de nuevo es una película con valor más allá de lo cinematográfico. Es lo más conocido en la corta carrera de director del reputado guionista N. Johnson

Sombras

Shadows (1959) USA
John Cassavetes

Si hubiera que poner una fecha de inicio al propio concepto de cine independiente, al menos al americano, esa sería sin ninguna duda 1959 y el estreno de Shadows, una película ya casi mítica, sin guión, improvisada, casi sin presupuesto, en ratos perdidos, con estudiantes de escuela de actores. Es la historia de una familia de jóvenes negros en una Nueva York irreconocible e invernal. Vista hoy poco queda ya de la sorpresa que supondría ver esta película en 1959, poco más que una mera anécdota o una declaración de intenciones de uno de los cineastas más importantes en la historia de cine norteamericano.

Cena de acusados

Marie-Octobre (1959) Francia
Julien Duvivier

Una antigua célula de resistencia francesa anti-nazi se reúne 15 años después del final de la guerra. Allí, rinden recuerdo al cabecilla, muerto por la Gestapo en una redada en esa misma mansión. Pero la sorpresa viene cuando Marie-Octobre, nombre en clave de la organizadora de la reunión, les anuncia que tiene pruebas de que hubo una delación, y que les ha reunido para saber quién es el culpable. Así comienza una intensa velada en la que salen a la luz verdades ocultas. Un drama inteligente y atractivo, aunque algún detalle de guión me molesta, de los últimos en la prolífica carrera del prolífico Julien Duvivier, hombre de origen teatral que se mueve con soltura en el espacio cerrado.

La llave

Kagi (1959) Japón
Kon Ichikawa

Antes de caer en el olvido, Kon ichikawa obtiene resonancia con una serie de títulos polémicos, más potentes que talentosos, en géneros diversos. Premiada en Cannes,  La llave (en inglés conocida como Odd obsession), relata un retorcido drama sexual (probablemente escándalo en su época), en el que se mezclan celos, voyeurismo, cierta especie de masoquismo emocional. Es un turbio cuadrilátero encabezado por un viejo que siente que su añorada potencia sexual se reaviva esporádicamente cuando ve a su mujer acercarse sexualmente a su futuro yerno, cosa que anima con retorcidas invenciones. Aún choca alguna de las insinuaciones y recovecos de esta película, que no creo que sea brillante, pero sí insólita.

A sangre fría

(1959) España
Juan Bosch
AKA: Trampa al amanecer

Policíaco en la variante atraco perfecto que se da al traste por la avaricia y perfidia de los perpetradores,  se trata de un thriller que va declinando hacia el drama moral. Es probablemente lo mejor de la filmografía del barcelonés Juan Bosch, si es que eso quiere decir algo, antes de entretarge sin tapujos a los géneros en boga según la época, y sería algo mejor si tuviese un reparto más adecuado, y no estuvieran tan subrayadas las ganas de hacer un film a la americana. Es probable que mi percepción esté alterada, pero es que no veo a Carlos Larrañaga como joven desorientado ni desde luego a Arturo Fernández como peligroso gangster.

La profundidad del mar

The deep six (1959) USA
Rudolph Maté

Sombrío drama bélico acerca de un publicista hijo de cuáqueros al que en la guerra le aflora su soterrada formación pacifista. Argumento curioso, no explotado en este conflicto, resuelta de forma un tanto pesada y solemne, al servicio de un Alan Ladd en el comienzo de su declive.

La gran guerra

La grande guerra (1959) Italia
Mario Monicelli
6-9-2012

Superproducción de Dino de Laurentis, ganadora del León de Oro en Venecia, que incorpora a dos actores de comedia, Alberto Sordi y Vittorio Gassman, en el frente de la Primera Guerra Mundial. Falsa comedia picaresca, está salpicada de bruscas pruebas de la crueldad del conflicto, buscando y consiguiendo la incomodidad y la perplejidad del espectador, que no sabe a qué atenerse. Cuenta con un Mario Monicelli muy inspirado en la construcción de escenas y en la calidad visual de las composiciones.

http://www.filmaffinity.com/es/film661803.html

Al Capone

(1959) USA
Richard Wilson
31-7-2012

La corta carrera de Richard Wilson nos ha dejado un director de estilo propio, exagerado, aficionado a los golpes de efecto y al subrayado. Es un tipo curioso, divertido, una especie de Aldrich o de Fuller al que le falta talento o alguna película realmente buena. Esta biográfia del gangster Al Capone peca de esos excesos y efectismos, pero guarda buenas y abruptas escenas de violencia, exhibe sin pudor a un Rod Steiger desatado, absolutamente insoportable, y queda como una de sus películas más recordables.

A 10 segundos del infierno

10 seconds to hell (1959) USA
Robert Aldrich
11-3-2012

Bien ambientada en el Berlín inmediamente posterior a la guerra, narra las andanzas de un grupo de 6 alemanes dedicados a desactivar las numerosas bombas despergidas entre los restos de la ciudad en ruinas. Pieza clave para el resurgir de la ciudad, se enfrentan a un destino muy peligroso. Película cuya original propuesta se diluye rápidamente con unos conflictos de poco interés con unos personajes muy desdibujados, cuyas relaciones apenas se apuntan (parece que el montaje final redujo en 30 minutos lo rodado por Aldrich), está entre las películas menos recordables de este director.

Sonatas

(1959) España/México
Juan Antonio Bardem
7-2-2012

Adaptación de dos de las sonatas de Valle-Inclán, que sirvió para reunir, sobre todo en el lado mexicano, a un amplio número de personajes del cine españoles, mexicanos y exiliados. A través del personaje de Bradomín, conveniente modificado hacia la militancia, se lanza un mensaje hacia la participación y la rebeldía y contra la pasividad. El resultado es bastante irregular y poco sólido, pero tiene buenas escenas rodadas en exteriores, se aleja de los cánones de los florones históricos del franquismo, tiene una excelente fotografía de dos maestros del oficio, y es la película que cierra la mejor etapa del cine de Bardem, que nunca recuperará, irónicamente, el espíritu de combate y la viveza.